Soporte de papel, cubierto por una serie de imágenes y textos que pretende la difusión de nuevos creadores.
Imitando la composición del papel fotográfico, sobre Papelsensible se extiende una fina capa de creatividad que posteriormente es distribuida en diferentes emplazamientos para su exposición.
Papelsensible, como soporte, constituye una plataforma que permite la exhibición de propuestas artísticas innovadoras.
Para la celebración de los Juegos Olímpicos en la ciudad de Rio de Janeiro entre el 5 y el 21 de agosto de 2016, la empresa japonesa Honda Motors cede al cuerpo de policía de la ciudad anfitriona el último modelo de su gama de robots. Una versión del ASIMO especialmente diseñada para ayudar a resolver cualquier conflicto que se pueda desarrollar en el marco de este gran evento internacional.
Se desconocen las razones por las cuales uno de estos robots que acompañan al cuerpo policial pudo haber asesinado a Ramé Shioza, de 6 años de edad, el pasado 19 de agosto cerca del estadio olímpico. Según los compañeros policías fue un acto deliberado por parte de la máquina, pero se muestran sorprendidos y afectados y ratifican que hasta el momento todas sus acciones fueron más que comedidas.
El creador del prototipo, Imo Yano, baluarte de la compañía pionera en el mundo de la robótica humanoide, se encuentra en paradero desconocido y se están investigando sus trabajos más recientes.
(1) Portada del periódico de la ciudad de Rio de Janeiro O Globo, fecha del 20 de agosto de 2016, tras un nuevo ataque de un robot policía.
(2) Recorte del diario japonés Yomiuri, fecha del 19 de agosto de 2016, con un amplio reportaje sobre la muerte de Ramé durante las Olimpiadas.
Cuando Asimov, allá por 1942, escribía las tres Leyes de la Robotica lo hacía para evitar que un robot pudiese dañar a un humano. Las tres Leyes eran las siguientes:
1. Un robot no puede hacer daño a un ser humano o, por inacción, permitir que un ser humano sufra daño. 2. Un robot debe obedecer las órdenes dadas por los seres humanos, excepto si estas órdenes entrasen en conflicto con la Primera Ley. 3. Un robot debe proteger su propia existencia en la medida en que esta protección no entre en conflicto con la Primera o la Segunda Ley.
Realmente, las premisas presentadas por Asimov (mucho antes que los robots fuesen una realidad) eran muy acertadas, y efectivamente protegían a los humanos de cualquier tipo de daño que fuese causado por estas maquinas.
Pero los tiempos cambian, los robots ya están entre nosotros, y parece que lo que hace furor es el robot armado para la guerra y no la “mucama cibernética” o el “trabajador robótico”. Eso volvió automáticamente obsoletas las Leyes que elucubro el escritor, ya que un combatiente robot que no dañe humanos es un contrasentido.
El ingeniero John S. Canning, del Naval Surface Warfare Centre (EE.UU.), ha dicho que se necesitan una serie de leyes que den más libertad a los robots sin que eso signifique tener “carta blanca” para cometer cualquier crimen. Menuda tarea.
Canning propone dotar a los robots de combate de total libertad cuando se enfrenta a un enemigo robótico (donde la violencia no seria un problema), y de algunas reglas más restrictivas cuando combate contra humanos. Incluso, dice que podría ser útil un operador humano para que decida por la maquina. “Este esquema permitiría a un robot apuntar a otro, y a un humano hacer lo mismo con un semejante”.
Entre los “autómatas” que tiene en mente Cannig figuran los misiles antitanque, sistemas de defensa automatizados, torpedos submarinos, etc.
El documento completo escrito por Canning se pueden encontrar algunos puntos inquietantes. Por ejemplo, seria valido para un robot (o sistema de combate automatizado) dispara al fusil que lleva un humano, y no necesitaría autorización para efectuar ese disparo. Su el soldado que lleva el fusil resultara herido o muerto, lo asumiría como un “daño colateral” y no plantearía ningún tipo de conflicto para el robot.
No sabemos cuando se llevaran a la práctica este tipo de ideas, pero confiamos en que falte mucho tiempo. Puede que para 2016 ya exista algún tipo de policía robótica... o no.
Vuelvo sobre mis pasos para reencontrarme con un proyecto que por su envergadura aparté hace ya un tiempo. USTED ESTÁ AQUÍ vuelve con energías renovadas, con la finalidad de presentarlo para la Sala d'Art Jove 2010. USTED ESTÁ AQUÍ se enmarca dentro del proyecto colectivo con Joaquín Reyes y Raül Roncero que lleva el nombre de GODGLE. En este marco se atiende a una reflexión sobre la omnisciencia de la todo poderosa empresa Google: el ojo que todo lo ve y, por lo tanto, todo lo sabe.
En 2006, en un pequeño acercamiento a la pintura, transporté algunos de los bocetos de los ChaMonstas al lienzo.
simbiosis #6
2006, óleo sobre tela
80 x 90 cm
La serie de pintura se limitó a tres cuadros, por razones técnicas (nunca se me ha dado bien) y de tiempo (soy muy lento pintando). Utilicé una gama de colores muy restringida por mi poco conocimiento del tratamiento del color en pintura y porque los bocetos estaban exentos de otra tonalidad que la que aportaba el lápiz de grafito.
El primer boceto de la serie ChaMonsta tiene fecha de 24 de octubre de 2006. Desde entonces, no ha evolucionado demasiado, pero por lo menos ha cambiado de nombre. El título original nada adecuado para estos dibujos era Simbiosis, y pero que dado que los diferentes componentes del cuerpo final son de la misma especie no resultaba un título correcto.
Otra de las evoluciones del proyecto es el de pasar de un simple collage de cuerpos humanos a una intención de situar los (cariñosamente apodados) monstruitos en alguna actividad o entorno que les haga interaccionar con algo y descartar poco a poco esos dibujos en los que parecen levitar en la nada del folio en blanco. Con ello no quiero decir caer en el error típico de insertarlos en la vida cotidiana, porque no son criaturas reales. Me gusta la idea de seres mitológicos.
Las mitologías antiguas, sean de donde sean, están bien surtidas de seres monstruosos fruto del imaginario libre de las represiones culturales actuales. En el siglo XXI es posible ir a ver una película en la que aparecen coches volando y la crítica colectiva no acepta ese logro, que tan solo se puede dar en las salas de cine, por ser demasiado irreal. A mí me gustaría apostar por retomar esa imaginativa casi infantil, libre de la atadura de la veracidad, y acoger estos nuevos seres de manera que no se infravaloren. Los cuerpos que aparecen en esta serie no son cuerpos deformes, porque eso les daría una condición humana. Estos cuerpos, al igual que las esfinges o los minotauros son una especie aparte a la que amar, temer o ignorar, pero no infravalorar, puesto que a una especie no se la puede poner por debajo de otra.
Lo que más me gusta de este proyecto es que me va a permitir abordarlo desde múltiples disciplinas. Por el momento ya ha pasado por el dibujo, la pintura y la fotografía. Por el momento descarto volver a la pintura, pero me interesa seguir dibujando estos monstruos y también fotografiarlos (para darles ese toque más verídico).
Día productivo el de hoy. Me he encerrado en MI taller (dios, qué bien que suena esto) y me he dedicado a procrear chamonstas como un enfermo. Y no ha ido mal. Con Tricky, Apparat, Mouse on Mars y Röyskopp de fondo le he dado caña a este proyecto que cada día está más grande y más majo (como diría mi abuela).
También ha habido tiempo para desatascar el trabajo de estudio fotográfico que parecía que nunca iba a empezarse.
Al final hemos acabado reuniendonos todos con la llegada de Marta, Joaquín, Paula y Rubén. Antes de partir hemos visto unos videos de Anton Corbijn. Espléndidos el vídeo de Nirvana y el homenaje a Ian Curtis.
Der maler Franz Wilhelm Seiwart. Köln, 1928
Barcelona, 09/02/2009
grafito y acuarela sobre papel, 21 x 13 cm
Moleskine
Había otro pintor que era invitado asiduo en la casa de August Sander: Friedrich Brockmann. Vivas discusiones surgieron entre él, Seiwert y mi padre, y por aquel entonces tenía yo edad suficiente como para representar el papel de oyente silencioso. Recuerdo una tarde en que mi padre mostró a sus amigos una carpeta de fotos de campesinos de Westerwald, todas asombrosamente veraces y fotográficamente precisas, impresas en papel brillante. Contestando a una pregunta sobre el propósito de esta serie, respondió que representaba el comienzo de la obra fotográfica "Gente del siglo veinte", y que pensaba comenzar el trabajo con retratos de agricultores, porque en ellos reconocía un elemento arquetípico, una esencia inequívoca. Su intención era completar esos retratos de granjeros con los de personas de todo oficio y profesión. Seiwert y Brockmann quedaron entusiasmados con la idea, y todavía puedo oír la excitación de sus voces cuando hablaban de los detalles del proyecto. Mi padre se negó a dejarse influir en lo que se refería a la organización del proyecto, y sólo aceptaba sugerencias concretas sobre posibles modelos a condición de que las personas en cuestión apareciesen sin nombre ni título.
En 1906, [...] August Sander consideró que había llegado el momento de mostrar al pueblo de Linz un panorama general de su trabajo, y el día que cumplió treinta años se inauguró con ceremonia una exposición de cien impresiones de gran formato en el Laundhauspavillon. El catálogo de esta exposición da testimonio del hecho que, aun en este período inicial, August Sander se interesaba más por revelar la esencia del ser humano, que por una apariencia exterior favorecedora.
a partir de retrato de August Sander: Der Komponist und Dirigent Wilhelm Furtwängler.
Köln, 1926
Barcelona, 29/01/2009
grafito y acuarela sobre papel, 21 x 13 cm
Moleskine
La cuestión del conocimiento en sí mismo en relación con su trabajo, y el problema de la relación entre la imagen y la realidad, nunca dejaron de ocupar la atención de mi padre. El estudio, que le sirvió de fondo para sus modelos, le parecía enmascarar, en vez de destacar la individualidad de aquéllos. La idea de fotografiar a sus clientes en sus casas no era nueva, pero las condiciones imprevisibles de iluminación disuadieron a la mayoría de los fotógrafos. Esto, en cambio, fue para August Sander un reto nuevo y fascinante que se proyectaba mucho más allá del aspecto puramente técnico. Como totalidad, su trabajo contenía muchos aspectos que trascendían las consideraciones formales y estéticas, y aunque quizá no fuera conscientemente intencionado - no era un hombre de mucha formación - sentía fascinación por aspectos del arte y la ciencia que él instintivamente percibía que tenían mucho que ofrecer. [...]
Primeras notas a partir de los retratos de la sección
El Campesinado de August Sander
La obra fotográfica de Sander, Hombres del siglo XX, se presenta como un documento sociológico de Alemania durante la República de Weimar. Esta obra abarca más de quinientas fotografías y pretende reunir la totalidad la sociedad alemana repartiendola en siete secciones: el campesinado, la artesanía, la mujer, categorías socio-profesionales (clases y profesiones), los artistas, la gran ciudad y los últimos hombres (vagabundos, discapacitados, veteranos de guerra...)
Este inventario en forma de retratos no es un ejemplo de fotoperiodismo, en el sentido de fotografíar la vida cotidiana tal y como se presenta ante nuestros ojos. Las personas fotografiadas por Sander saben que se encuentran delante del objetivo y toman conciencia de sus poses reveladoras, el fotógrafo aporta tanto indicaciones sobre su estado de ánimo como de su entorno objetivo.
En 1929, le photographe allemand August Sander annonça la parution d'un ensemble de portraits photographiques qui devaient présenter un panorama de l'"état social existant" de l'Allemagne d'alors.
On me demande souvent comment l'idée m'est venue de créer cet ouvrage: Voir, Observer et Penser,
voilà la réponse à la question.
Rien ne m'a semblé plus indiqué que d'offrir, par le moyen de la photographie, une image absolument fidèle de notre époque.
Dans le passé, les livres et les écrits divers étaient souvent accompagnés d'illustrations; mais la photographie nous a donné d'autres possibilités et d'autres tâches que la peinture. Elle peut reproduire des choses d'une grandiose beauté ou d'une réalité effroyable, mais elle est également en mesure de tout travestir de façon inouïe. Il nous faut apprendre à regarder la vérité en face, mais aussi et surtout à enseigner cette démarche à nos semblables et à nos descendants, que cela nous soit favorable ou non.
Si moi, qui suis en bonne santé, je prétend désormais voir les choses comme elles sont, et non comme elle devraient ou pourraient être, que l'on veuille bien m'en excuser, mais je ne peux faire autrement.
Depuis trente ans, je me suis occupé de la photographie avec le plus grand sérieux, j'ai suivi des voies plus ou moins bonnes et j'ai reconnu mes erreurs.
L'exposition à la Société des beaux-arts de Cologne est le résultat de mes recherches et j'espère m'être engagé sur un bon chemin. Je ne hais rien tant que la photographie douceâtre, précieuse et cabotine.
Aussi laissez-moi vous dire honnêtement la vérité sur notre siècle et sur les Hommes.
La curiosidad abre un amplio abanico de preguntas cuando se encuentran ciertas extrañezas desde Google Earth... ¿Esto estaba predeterminado? ¿Eso está puesto ahí a conciencia? ¿Es imposible escapar de la mirada de Google Earth? ¿O es que también puede ser usado como escaparate? ¿Cómo saber cuando está mirando?
mkbarth- interesting finds in Google Earth
Buscando en el que quizá sea el "escaparate" más utilizado en los últimos años he encontrado a un buscador de tesoros moderno, un incansable rastreador de mapas que, por si fuera poco, documenta todos aquellas "sorpresas" que se encuentra.
Poeta chileno En1982 , su obra creativa da un nuevo paso con el poema La vida nueva, escrito en los cielos de Nueva York, usando como herramienta una avioneta que arrojaba humo. Esta creación estaba compuesta por quince frases de ocho kilómetros de largo, en español. El trabajo fue registrado en vídeo por el artista Juan Downey. Otra acción artística consistió en plasmar en el desierto de Chile sus versos "Ni pena ni miedo", en 1993, para que pudieran ser leídos desde el cielo. Con estas iniciativas intenta sobrepasar el concepto tradicional de literatura, acercándose al de arte total. Entre 1979 y 1993 Zurita escribe la trilogía Purgatorio (1979), Anteparaíso (1982) y La Vida Nueva (1993), en la que recorre los más variados paisajes desde desiertos, playas, cordilleras, pastizales y ríos. Estas obras están consideradas entre las más importantes de su producción.
El aire como base de una obra artística; elemento moldeador y esencia del mensaje.
Penique productions - The Green Sack
Jovenes artistas de Barcelona que nos proponen adentrarnos en una gran bolsa que, al inflarse, toma las formas de los interiores donde se encuentra y que, con una estudiada iluminación, recrea sombras deformadas en su interior y exterior.
Joshua Allen Harris (Wooster Collective) - Wooster Follow-Up (inflatable sculptures)
Estas criaturas, han sido fabricadas con bolsas de plástico de todo tipo, unidas y trabajadas para darles formas de animales y de muñecos. Después se han atado a las rejillas de ventilación del metro, de manera que cada vez que pasa un tren y desprende aire, las bolsas se llenan, se mueven y parece que los animales cobran vida.
Plane Landing es una escultura de un avión en permanente despegue. Durante los días 4 y 5 de julio de 2008, Plane Landing se mostró en el aeropuerto de Zurich como parte de la exposición 'Shifting Identities - (Swiss) Art Now',bajo la curadería de Mirjam Varadinis para Kunsthaus Zurich.
Al estilo del subtitulado de las peleas en la serie de Batman, D.Billy infla, retuerce y une los globos para formar palabras con las expresiones onomatopéyicas de la vida cotidiana; luego las ubica en la vía púbica, siempre en relación con el entorno para crear sus obras, que culminan cuando las fotografía a modo de documentación de su trabajo.
Fooosh (Hydrant), 2007
Site intervention w/ balloons and party streamers
Pigment print
18 x 27 "
Rrring (Payphone) , 2007
Site intervention w/ balloons
Pigment print
18 x 27 "
Josep Ponsati, artista plàstico (Banyoles, 1947) ha centrado su expresión artística en las grandes formas inflables desde 1971.
Paul McCarthy - Chocolate Blockhead (Nose Bar Outlet)
McCarthy comenzó su carrera con performance en las que empleaba la gravedad como un vehículo literal y metafórico. Desde 1974 su trabajo se vuelve bastante más agresivo y sexualmente provocativo. Sus performance han sido descritas como un brutal performance autoagresivo.
Buscando información sobre Arte volador he encontrado un artículo muy interesante.
He de decir que lo que más me ha gustado al leer el artículo de R. Bosco y S. Caldana es el descubrimiento del concepto de Público 2.0, que define al público de Arte acostumbrado a las nuevas tecnologías. Este concepto es muy importante para el proyecto Usted está aquí, dado que tan solo un espectador familiarizado con plataformas con las plataformas de localización de internet es capaz de entenderlo.
El plato volador de Peter Coffin es una estructura de aluminio de 7 metros de diámetro recubierta con 3000 LEDs que forman figuras geométricas y hacen juegos de luces mientras el aparato está en el aire. El dispositivo tiene montado un generador de 6 kilowatts como fuente de energía y puede controlarse desde el móvil, con mensajes de texto.
Geostationary banana over Texas, de Cesar Sáez
El proyecto de Cesar Sáez me ha sorprendido por lo parecido que es en forma y fondo a Usted está aquí (obviamente el mío se queda corto en ambición y recursos). Gestionary Banana Over Texas es un proyecto que consiste en poner una banana gigantesca sobre el cielo de Texas.
La elección de un platano como objeto volador no es gratuita. El platano es un elemento cotidiano, un alimento asequible para todos pese a que no suele crecer en ciertas zonas (como en Texas, donde se sitúa el proyecto). En el mundo artístico tiene un claro precedente que es, sin duda, la obra de Andy Warhol. La banana también aporta ese toque de absurdo, de sin-sentido, de ironía y humor. Del Arte por el Arte. Cómo dice el autor: "La banana sobre Texas es una broma a la estupidez".
La geolocalización del proyecto también está estudiada. Texas está a la cabeza de la colonización espacial y la industria militar.
Seguramente cuando algún tejano vea ese platano exclamará: "Houston, ¡tenemos un problema!"
Sí... A mi también me pasa... ¿Cuándo habrán hecho esta foto? Ah! mira... las obras del barrio van muy avanzadas, debe ser reciente. ¿Harán más fotos cuando estén acabadas?
¿Dónde está esa cámara? Si miras al cielo no verás ninguna... Ni tampoco verás nunca la flecha del mouse que desplazas por la pantalla... ¿O SÍ?
USTED ESTÁ AQUÍ es un proyecto artístico de intervención que consiste en elevar una flecha como la que aparece en la pantalla del ordenador. Este objeto puede volar sobre cualquier escenario al aire libre.
El globo volará sobre las cabezas de los ciudadanos y, por primera vez, veremos lo que solemos ver en Google Earth desde una perspectiva más habitual para nosotros, simples mortales que estamos sumisos a las leyes de la gravedad.
No es tan solo una forma de traspasar al plano de la realidad lo que solemos ver en una pantalla, sino también sirve de forma simbólica para evidenciar que hay un ojo que todo lo ve. Google se muestra ante el mundo como el nuevo ser omnisciente que en el siglo XXI responde ante las dudas y los temores del hombre.
La Flecha representa, como la Cruz en la religión cristiana, un símbolo, y, del mismo modo, ese símbolo aparece a causa de ser el medio mediante el cual ha habido un contacto con ese ser supremo. Este símbolo es exclusivo del medio digital. Es un concepto visible pero no tangible.
Los receptores en este caso son un nuevo tipo de Publico en el mundo del Arte. A este nuevo concepto de publico ha recibido el nombre de Publico 2.0 debido a que está familiarizado con las nuevas tecnologías.
De todos modos es un acto estúpido que busca el impacto visual antes que la reflexión.
